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西方音乐史论文范文参考(6篇优秀精选)(4)

作者: 阿信 发布时间: 2020年07月25日 04:12:52


  
  范文五
  

  题目:论西方音乐史对双簧管教学的指导意义

  
  摘要:现阶段, 西方音乐史课程已经在各大音乐类高校普遍开设, 但是大多数学生没有意识到该课程对自身表演学习的重要性。双簧管作为木管类乐器, 在乐队中常担任主旋律演奏, 是出色的独奏乐器, 此外它还是交响乐队中的调音基准乐器。文章指出, 运用西方音乐史相关内容进行双簧管教学, 有助于提升教学效果。
  
  关键词:西方音乐史; 双簧管; 教学;
  
  双簧管作为音乐表演艺术的重要组成部分, 要求表演者融入自身的情感及思想, 以达到升华作品的目的。音乐作品是否能够展现出较强的感染力, 与演奏者的演奏技巧及艺术表现力有直接关系。演奏者在了解双簧管的音乐文化及特点之后, 更容易把握作品风格, 将作品的思想情感表现得淋漓尽致, 从而达到良好的演奏效果。
  
  一、双簧管的发展及教学情况
  
  双簧管在音乐领域是一种发展比较成熟的乐器, 其传承方式具有系统性、科学性的特点。目前, 科班教学是音乐教育的主要方式。音乐教育一般从小学开始, 对学生进行音乐启蒙, 使学生对音乐概念有一定的了解。在初中及高中阶段开设音乐课程, 确保学生音乐学习的连续性。在大学阶段开设更为系统的音乐专业, 学习内容包括音乐基础知识、音乐史、乐理、和声、视唱、曲式等, 旨在全面培养学生的音乐素养和能力。在我国古代, 从事音乐表演的艺人地位较为低下, 难以得到社会的尊重。近代受西方影响, 我国逐渐开始重视音乐专业教育, 越来越多的人加入到音乐学习中。在传统西方社会中, 音乐属于贵族特权, 贵族阶层有专属乐队及作曲家。作曲家不用担心生计, 可以全身心地投入到音乐演奏及创作中, 从事音乐表演的人有着较高的社会地位, 受到人们的喜爱和尊敬。目前, 在我国音乐院校中, 双簧管是器乐学习的重要组成部分, 很多院校都设立了双簧管演奏专业, 教学形式更加多元化, 构建了全面、系统的教学模式。双簧管从古罗马、古希腊时期的祭祀音乐, 发展到文艺复兴时期的民间音乐, 在巴洛克时期经历了辉煌的发展历程。笔者认为, 西方音乐史对双簧管的教学和演奏能够起到较强的指导作用, 有助于学生通过优美的旋律、生动的节奏和绝妙的技法展现双簧管的艺术价值, 推动其现代化发展。
  
  二、西方音乐史上经典作品对双簧管教学的指导作用
  

  (一) 注重音响效果
  
  在巴洛克时期, 一些作曲家在创作作品时, 对社会和生活的关注较少, 大多数作品受宗教影响较大。该时期的音乐作品风格以辉煌、华丽为主, 注重作品的外在表现力, 强调作品形式的多变性, 注重气氛的渲染。气势宏大是这一时期音乐作品的创作特征, 作曲家通常不注重对作品细节的刻画, 导致音乐作品缺乏生命力及生动性。笔者通过对巴洛克时期的音乐进行分析发现, 该时期的音乐也具有一定的优势, 音乐作品通常表现出自由、热烈、潇洒的特点, 在表达方面展现出稳健、厚重、深切等特性, 具有较强的立体感和空间感。例如, 在演奏意大利作曲家托马索·阿尔比诺尼的《D大调双簧管协奏曲》时, 应注重对作品风格的表达。第一乐章的乐句多为四小节和八小节, 旋律短小、简明, 要确保双簧管在与乐队合奏时突出主题, 使主题更加鲜明、统一。同时, 要注意该作品在表达过程中主要以大小调为基准, 通过将不同的旋律线条组织起来, 使横向线条更具突出性及独立性。另外, 还要注重纵向的和声关系, 确保双簧管在与乐队结合时能够展现良好的音响效果。
  
  在对作品第一乐章进行演奏时, 需要注意以下问题:第一, 在演奏作品时, 要富有激情和表现力, 作品整体要表达出起伏感及炫耀感, 充分展现巴洛克时期音乐的华丽及辉煌。第二, 关于作品演奏时的强弱, 不应将渐弱及渐强作为主要的表达形式, 应采用阶梯式力度变化方式。例如, 在第9至第12小节及第16至第19小节中, 音乐的主题具有较强的相似性, 但是在强弱变化方面存在较大差异。第9至第12小节更加注重对作品强的演奏, 第16至第19小节更加注重对作品弱的演奏。在表达过程中, 应注意绝非是机械性的强和弱, 将提升作品生命力作为表达的主要方式, 突出作品主题, 避免演奏出现单调及乏味感, 要着重展现音乐作品的独特艺术魅力。第三, 在断音演奏方面要做到饱满、自然, 避免跳跃及过分的短促导致出现滑稽感, 确保断音能够与热情、华贵的音乐基调相符合。第四, 颤音在演奏过程中要遵循从上至下的原则, 装饰音要在正拍上进行, 同时注意提升作品演奏的规整性及统一性。
  
  (二) 展现创作者的内心情感
  
  浪漫主义时期的音乐作品更加注重对创作者内心情感的表达, 从作品的创作思想中可以看出, 作曲家逐渐摆脱了宫廷及教会的影响, 获得了更多的创作空间, 作曲家通过音乐作品抒发自身情感。通过对该时期的音乐作品进行分析可知, 其音乐的个性较强, 具有丰富的表现力。同时, 该阶段的音乐充满了自由、感性、抒情等特征, 作品展现出较强的浪漫主义音乐精神。音乐作品的节奏也展现出自由的特点, 实现了对多个节奏型及交叉节奏的同时使用, 较多地运用切分音及快速不规则节拍等技法, 使音乐的表现形式更加多样化、更加细腻。作品的旋律通常使用大跳音程, 以六度、七度及八度大跳音程为主。在和声方面, 主要运用色彩和声及变化音, 通过音区、调性色彩的变化, 完成对音乐形象的刻画, 展现作曲家个人的思想情感。通过使用多种创作手法, 展现浪漫主义时期音乐的特有风格。例如, 法国作曲家夏尔·卡米尔·圣-桑的《双簧管与钢琴奏鸣曲》是一部具有鲜明浪漫主义色彩的作品。在演奏时要注意以下内容:第一, 注重对表情的细腻化处理, 以达到丰富音乐作品表现力的目的。在演奏第一乐章呈示部的三组四分音符时, 要突出作品演奏的优雅及含蓄特点, 将极富美感、刚健有力的作品主题表现出来, 并逐步展开作品的结构, 确保将乐曲推向高潮。第二, 作品的演奏要富有歌唱性及诗意性, 演奏作品时要充满热情, 但切记不要过度激情。在断奏时, 要结合情绪变化, 确保断音演奏更具庄重感及活泼感。第三, 在装饰音及颤音演奏时, 应结合作品的表现力和情绪不断进行调整。
  
  (三) 作品色彩艳丽, 手法新颖
  
  音乐作品的表达方式与作曲家自身的喜好和感悟有直接关系, 其会随着时间的推移而发生变化。德国作曲家理查德·施特劳斯是古典主义风格音乐的代表人物, 在其创作的中后期受到瓦格纳及李斯特等人的影响。他借鉴瓦格纳、李斯特的音乐作品表达方式, 作品结构逐渐变得宏大, 创作手法更加新颖、音乐色彩更加艳丽, 充满了令人激动的音响效果。在情感表达上, 注重对技术的表达, 与表现主义的音乐风格相类似。通过对施特劳斯晚期音乐作品《D大调双簧管协奏曲》的分析可知, 该时期的作品以优美、轻快为主。当时交响诗风格及歌剧风格已经逐渐销声匿迹, 被主题朴素、音响效果保守的音乐所取代, 这是一种全新的创作手法, 作曲家摒弃了绚丽、复杂的作曲手法。一位作曲家的创作风格之所以会发生改变, 与当时的社会背景及创作者自身的经历有直接关系。理查德·施特劳斯的前半生过着富足、功成名就的生活, 但是其后半生受世俗及政治原因影响, 在晚年他过起了闲云隐士般的生活, 心理虽有疲惫感及落寞感, 但是心灵也得到了平静和净化。《D大调双簧管协奏曲》正是在这种心情下创作的, 作品创作于瑞士醉人的湖光山色之中。透过作品能够感受到作曲家当时脱俗及平静的心态。该作品的演奏应展现出较强的真实性及朴素性特点, 达到与作曲家的创作初衷相统一。
  
  要想演奏好一部作品, 了解作品的谱面要求及其创作背景非常重要。创作者在不同的历史背景下所创作的作品存在一定的差异, 表明了创作者当时的心境。在进行双簧管演奏时, 应以西方音乐史为指导, 寻找合理的音乐处理技巧及音乐表达方式, 并结合演奏者内心的真实感悟, 将作品完美地演奏出来, 完成对作品的二次创作, 使作品演奏更具感染力。
  
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